Darius

peintre-encrier

biographie

Avec des amis, nous avons créé et animé pendant plus de vingt ans la Galerie 175, une galerie associative d’Art en Normandie, puis depuis 2002 les Éditions du Chameau, une maison d’édition sur l’Art et la poésie (110 titres au catalogue), au sein de la Galerie 175. Parallèlement à ces activités, j’ai progressivement commencé un travail artistique personnel. J’ai suivi le cours de dessin de Pierre Lebigre, à l’École des Beaux-Arts de Caen (cours du soir). Je me suis ensuite formé au contact des nombreux artistes que j’ai cotoyés au cours de ces années.
Depuis plus de vingt ans j’ai mené un travail photographique en noir et blanc, essentiellement tourné vers le portrait.

Pendant cette période je n’ai cessé de dessiner et de peindre, accompagnant ainsi mon travail photographique d’une recherche picturale. Ce travail a été publié en 2007 aux Éditions du Chameau, dans « Carnet d’esquisses », un recueil de dessins.

Parmi mes thèmes préférés en peinture on retrouvait naturellement le portrait, mais aussi les poissons. Ce dernier thème était arrivé assez simplement dans ma peinture. Je crois qu’il répondais à une double nécessité, celle de fixer un sujet, une forme, en l’occurrence le poisson, mais si l’on regarde bien il s’agit du portrait de poissons, et de décliner cette forme avec autant de variations que possible ; mais aussi la nécessité de me projeter dans cet animal pour tout ce qu’il pouvait évoquer pour moi. Le chanteur Iggy Pop résumait parfaitement dans sa chanson ceci : « The fish doesn’t think, The fish is mute, expressionless, The fish doesn’t think because the fish knows everything… » – le poisson ne pense pas, le poisson est muet sans expression, le poisson ne pense pas car le poisson sait tout…

En peignant mes poissons, je débordais mon sujet pour y inclure les bassins dans lesquels je les y avais mis.

Cette période des poissons me permit de conjuguer avec enthousiasme la peinture, c’est-à-dire les couleurs, avec le dessin, le trait, celui tel que le pratiquait Matisse ou Hiroshigé, l’unique trait dépouillé, sensible, tel un funambule sur son fil, toujours près de tomber sans jamais y parvenir pour le bonheur de tous.

Sans trop me tromper je peux dire que mes deux derniers poissons furent les deux grands, rouges, sur papier, le garçon et la fille comme je les appelle : elle, plus fine, feignant de ne pas être regardée, par lui, plus massif, fortement intéressé.

En réalisant ces deux tableaux, faits l’un pour l’autre, j’ai eu l’impression d’un aboutissement, que j’avais fait mes poissons idéaux, le modèle, et qu’allait plus loin ne mènerait qu’à des déceptions, des regrets. Il était temps que j’arrête…

Ma rencontre avec l’encre, véritable tournant dans ma démarche artistique, date de mon premier voyage au Japon, il y a plus de dix ans. Depuis lors j’y retourne régulièrement ; je suis membre invité permanent des groupes de peintres japonais de Tokyo SUMIE-TEN et MUGENDAI.
Mon premier choc émotionnel avec l’encre fut lorsque je vis des calligraphies au Japon. J’avais été impressionné par l’infinie possibilité qu’offre l’encre dans sa transparence, les jeux de lumière et les nuances de gris, apportant un registre coloré d’une grande subtilité, non sans rappeler la photographie noir et blanc.
Le hasard de mes rencontres m’a conduit vers une expérimentation autour de l’encre, mais aussi du papier et des outils que je n’ai cessé d’inventer afin d’explorer sans relâche cet univers d’une richesse prodigieuse. La plupart de mes travaux sont faits sans pinceau et sur du papier couché. Dans certaines situations, le papier devient pinceau, c’est le cas des monotypes réalisés comme des contretypes, pour lesquels deux feuilles emprisonnent l’encre que je soumets ainsi à des pressions diverses.
Depuis mes rencontres japonaises, je me suis rapproché du sumi-e en utilisant à l’occasion du papier washi, mais en gardant ma sensibilité. Cela m’a permis de proposer des techniques mixtes mélangeant sumi, encre d’imprimerie et peinture à l’huile, généralement blanche mais aussi du brou de noix. La couleur apparaît donc dans mon univers pictural, mais plutôt sous la forme de monochromes.

Le sumi est l’encre noir traditionnelle que les japonais utilisent pour leur peinture. Le washi est un papier japonais largement utilisé au Japon. Il a la propriété d’être assez fibreux et de conduire l’encre dans ses structures internes, soit directement, soit en utilisant de l’eau comme medium de pénétration. Au cours de mes différents voyages au Japon, j’ai appris, au contact de mes amis artistes japonais, à utiliser leurs techniques. Cette série sur du papier washi ramené du japon, m’a permis de transposer ma sensibilité aux techniques que j’ai pu observer là-bàs. C’est en quelque sorte une forme d’hommage que je rends à la peinture japonaise.

Mon travail conjugue mon goût pour le dessin, un sens particulier de l’expérimentation, et une sensibilité naturelle à la lumière, le tout dans un rapport physique (gestuelle et respiration) avec le support et les matériaux que j’utilise.


Ma sensibilité photographique, que je ne n’ai cessé de mettre en oeuvre, autour de portraits des peintres japonais du groupe SUMIE-TEN auquel je participe, mais aussi sur mon propre travail pictural, m’accompagne dans ce cheminement artistique. Un monde étrange et mystérieux, d’une plastique bouleversante, apparaît lorsque l’on s’approche de certaines encres, grâce à des photographies macroscopiques. Certaines, colorées simplement par la lumière naturelle qui prend prise sur l’encre sumi parfaitement noire, font penser à des toiles de Gustav Klimt, comme par exemple le portrait d’Adèle Bloch-Bauer I. D’autres font ressortir toute la complexité de la lumière telle qu’on la retrouve en photographie noir et blanc ou avec des techniques de gravure comme la manière noire. Enfin d’autres encore font apparaître des mondes imaginaires et pourtant familier où l’on peut voir tour à tour des mondes minéraux, des paysages montagneux, des roches telluriques, des créatures vivantes réelles ou imaginées…

Ce travail photographique des encres me permet également une réflexion avancée sur la composition picturale. En effet j’utilise la photographie comme moyen de travailler la composition de travaux grands formats en partant de détails de travaux réalisés à l’encre. Ce faisant je mets en place une circularité entre photographie et production picturale, l’un étant au service de l’autre et réciproquement. Ceci me conduit à la question du statut de l’oeuvre et de sa matérialité.

© 2022 Darius

Thème par Anders Norén